Sorecer 360° es una intervención de espacios públicos con dispositivos de realidad virtual. La primera parte utiliza un video dancístico donde el espectador puede observar todo el espacio a su alrededor para lo cual tendrá que movilizar su cuerpo como si realmente estuviera presente dentro del lugar donde sucede la danza.

Esta propuesta tiene varias capas de percepción. Por un lado, las personas que tendrán puestos los visores VR vivirán la experiencia virtual inmersiva de primera mano. Por otro lado, la corporalidad generada por la experiencia virtual al observar simultáneamente varias personas accionando en el espacio se convierte para los espectadores externos en una pieza de construcción escénica en tiempo real.

La segunda parte de esta intervención es una pieza escénica presencial que está situada en el mismo lugar de propuesta experiencial para un espectador activo, pero en un soporte real. Sucederá después de crear expectativa con las intervenciones en espacios públicos.

Conceptualmente Sorecer es una hibridación de dos palabras, Sororidad y florecer, la primera es una dimensión ética, política y práctica del feminismo contemporáneo. Es una alianza entre mujeres, donde se propicia la confianza, el reconocimiento recíproco de la autoridad y el apoyo que conduce a la búsqueda de relaciones positivas de hermandad y solidaridad.

Intervenciones de 10 min cada hora.

Un cierto tiempo y espacio escandaloso, porque resulta de ir y venir, de encontrarse y perderse, de volar y caer, enloquecer, lograr suspenderse por un instante, ser y entonces desaparecer, tranquilamente y sin esfuerzo.

“La folia es una danza, con su música y su texto correspondientes y sazonada con un jolgorio rayano en la locura" (Juan José Rey).

Trata de la periferia donde se expone y trata de conciliar a un cuerpo escindido de sus sombras, sea al de-construir movimientos, pescar impulsos y sobre todo crear intimidad para que aflore esa gestualidad que vive en el anonimato, segregada (uncool manners) o bajo estima. La danza de Espartaco Martínez e suna estrategia para hacer grietas a la belleza de fachada, crear desde los umbrales; más que representar se trata de intentar el precario equilibrio de la existencia. Cristalizar temores y la insinuación de un espacio/tiempo de fascinación.

La obra es una especie de espejo escénico sobre una era de incertidumbre mundial, violencia de género, injusticias sociales y gobiernos delirantes que humillan y saquean a ultranza. Se trata de una coproducción México-Francia entre las compañías Von Magnet y VSS Compañía de Danza.

Es una compañía de Ballet Contemporáneo conformada por bailarines internacionales de gran trayectoria, residentes de la Ciudad de México. Es dirigida por el bailarín, maestro y productor cubano Jasmany Hernández. A partir de la creación propia y de renombrados coreógrafos invitados, Mexico City Ballet busca un lenguaje y sello estético único, que represente a la ciudad ante el mundo y propicie un mayor acercamiento del público mexicano con la danza. Con la pieza Prisma la agrupación fue galardonada con Las Lunas del Auditorio como “Mejor danza moderna” en 2015.

La comunidad virtual de Danza de la Escuela de Danza Gitana Oriental Al Mosharabía tiene su plataforma digital (www.almoshaonline.com). Esta escuela es un pequeño centro cultural fundado en la Ciudad de México en 2004 y se dedic a la conservación y difusión de las culturas Rromani (Gitana) y Árabe, así como a la producción de nuevas expresiones desde México

Se presentará el grupo CID CDMX (UNESCO Danza).

El Consejo Internacional de la Danza CID UNESCO es la organización oficial que cobija a todas las formas de danza de todos los países del mundo. Fue fundada en 1973 en la sede de la UNESCO en París, donde basa su cimiento. Es el centro mundial de unión de las más importantes organizaciones internacionales, nacionales y locales, así como de personas dedicadas activamente a la Danza. Sus Miembros son las más destacadas federaciones, asociaciones, escuelas, compañías y personas en más de 150 países.

Pionera de la Danza Jazz en México, su extensa trayectoria artística como bailarina, coreógrafa y docente se suma a su intensiva labor como creadora escénica y productora de diferentes programas coreográficos, musicales, espectáculos para televisión, eventos publicitarios y centros de espectáculos, entre otras acciones artísticas relacionadas con las artes escénicas, el cine y la televisión, que abarcan más de cinco décadas de carrera artística profesional.

De manera paralela, su intensa actividad para la formación de artistas de la danza se impulsa a partir de la fundación y apertura en 1977, de su Estudio Profesional de Danza, “Ema Pulido Estudio de Danza”, espacio en el que se han impartido clases para bailarines, actores y cantantes, impartidas por maestros tanto mexicanos como extranjeros, que el próximo mes de julio cumplirá 39 años de trabajo ininterrumpido bajo su dirección y vasta experiencia en el campo dancístico.

En este espectáculo se escenifica y aborda en danza jazz una historia acerca de nuestras raíces, e identidad mexicana en la frontera.

En el marco del Congreso Nacional de Danza Jazz

Es un asalto escénico que irrumpe en la cotidianeidad de la gente, con el propósito de hacer del espacio público, un espacio escénico que posibilita la distancia que permite cuestionar, replantear y criticar, nuestras realidades. En esta ocasión el asalto escénico se da en forma de suite semafórica o de plaza donde vemos interactuar personajes que representan hombres de la construcción, del servicio de mantenimiento público, trabajadores de ocupaciones varias con sus cascos y chalecos naranja seguridad, los vemos comer, fumar, festejar un gol, tomar una cerveza, descansar, trabajar un poco y crucificar un compañero.

Mostrar la diversidad educativa existente en México en el campo de la danza contemporánea, con la finalidad de enriquecer la profesionalización de este arte permitir la convivencia y el intercambio entre estudiantes de diferentes instituciones. Ha reunido a más de 40 centros de formación de todo el país y del extranjero, con la participación de casi mil jóvenes pertenecientes a diferentes instituciones.

  • Centro de Entrenamiento para la Danza / De Sones y Corazones

  • Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (Instituto de Artes) / Bitácora

  • Centro Dancístico y Coreográfico de Oaxaca / La noche cae (robada)

  • Red de Creadores Independientes Zona Centro Colectivo Arena / Arena

  • Escuela Municipal de Danza Culiacán / Aquí no pasa nada

  • Escuela de Danza Contemporánea de Torreón / Fases de un sueño mutuo

  • Escuela de iniciación artística No. 2 “Héctor Correa Zapata” / In Time Lapse

  • Centro de Formación Profesional de Barro Rojo Arte Escénico / Murmullos

  • Universidad de las Américas Puebla / Mutable cotidiano

Organiza
Fabienne Lacheré

Bruja Danza / Solo para bailar en un cuarto Solo

Obra que explora las encrucijadas de la corporeidad en su interacción en el espacio en la ausencia de los otros. Es una reflexión danzada de las inercias de movimiento y su expresión en el espacio. La intencionalidad de explorar y hacer visibles las regiones ocultas de la fisicalidad y su metáfora.

Alma Quintana / Frame

Propuesta de dance-performance que desenmarcó una danza tradicional para transplantarla en un espacio de afecto, liberación y ritual con el cuerpo. Se incorporó y se hizo una apropiación de la danza del venado mayo y yaqui a partir de fuentes en video, se tomó como score (partitura de movimiento) la letra de la canción Ghost Dance de Patti Smith, y los estados liminales que genera la repetición exhaustiva de movimientos con el cuerpo.

Cia. EL CHISTE Quehaceres Menesteres / Hubiese querido llamarme también Fausto

Es una propuesta coreográfica contemporánea de corta duración que involucra a un hombre de carne y hueso, y a una sillita y un banquito de madera. Con una estructura simple que juega con la improvisación y el silencio, este solo logra acercar al espectador a un estado emotivo desde el cual es posible contemplar la vulnerabilidad del elemento humano que, de manera voluntaria, se presenta en esta pieza. Él, por su parte, se vale de un sobrio manejo de la respiración, el gesto y el equilibrio para regular la tensión; y de este modo colocar un cuerpo asertivo en el espacio escénico, aun cuando la anécdota en sí permanezca ininteligible.

Compañía 8ADN Cuerpos en acción / Above

Esta pieza se crea en base a la relación del espacio, la arquitectura, la música, el espectador, la improvisación misma. Se gestó también en base a las pinturas de la galería dónde se creó inicialmente, mediante su forma, su trazo, su color y su geometría; una simplificación de la vida la cuál percibimos, sentimos, escribimos y pintamos con acciones libres de los cuerpos que la presentan, ahora se presenta y se crea a partir del lugar en el que se expone, según el espacio, según la forma, según el espectador.

Carla Segovia y Dominga Martínez / ANTIER

Te transformas en el tiempo, en un evento traumático, en desconfianza. Evades, omites, te desmoronas; has perdido tu identidad. Tu expresión es borrosa, no eres tú, no te reconoces, no te recuerdas. Antier no eras así.

FV4 / Rompimiento en el día a día

La pieza presenta diferentes momentos y situaciones en donde el personaje vive atrapado por su propia forma de ver la vida. La rutina se vuelve entonces un catalizador tanto negativo como positivo para escapar de una realidad que le abraza y sofoca. El tiempo entonces se vuelve relativo, pues cada minuto le brinda una oportunidad más para reconstruir el camino marcado para crear el propio; ajeno a todo aquello que pueda entorpecer la realización de dichos sueños y de formas de pensar, de actuar y de ser.

Sandra Soto / La Llorona

Ritual a un altar y un ánima.

Izcalli Salazar / Inevitable

Cuando una transformación ocurre buscamos que sea hacia algo mejor; con ello es posible corregir una afirmación realizada para hacerlo de mejor manera. ¿Alguna vez ha tenido que volverse del camino en que se andaba y tomar otra dirección?

Sorecer 360° es una intervención de espacios públicos con dispositivos de realidad virtual. La primera parte utiliza un video dancístico donde el espectador puede observar todo el espacio a su alrededor para lo cual tendrá que movilizar su cuerpo como si realmente estuviera presente dentro del lugar donde sucede la danza.

Esta propuesta tiene varias capas de percepción. Por un lado, las personas que tendrán puestos los visores VR vivirán la experiencia virtual inmersiva de primera mano. Por otro lado, la corporalidad generada por la experiencia virtual al observar simultáneamente varias personas accionando en el espacio se convierte para los espectadores externos en una pieza de construcción escénica en tiempo real.

La segunda parte de esta intervención es una pieza escénica presencial que está situada en el mismo lugar de propuesta experiencial para un espectador activo, pero en un soporte real. Sucederá después de crear expectativa con las intervenciones en espacios públicos.

Conceptualmente Sorecer es una hibridación de dos palabras, Sororidad y florecer, la primera es una dimensión ética, política y práctica del feminismo contemporáneo. Es una alianza entre mujeres, donde se propicia la confianza, el reconocimiento recíproco de la autoridad y el apoyo que conduce a la búsqueda de relaciones positivas de hermandad y solidaridad.

Intervenciones de 10 min cada hora.

¿Cómo hemos nacido en el sueño? ¿cómo podemos despertar de este sueño? Los seres humanos predestinados la MUERTE, lo sabemos y esperamos lo siguiente. Esta propuesta escénica indica lo que podemos llevar a la vida SIGUIENTE como regalo ¿Esperanza?

Compañía Flores TeatroDanza / NAN

Es un trabajo inspirado en la fotógrafa Nan Goldin. Una reflexión acerca de las relaciones de pareja y sobre la posibilidad de volverte sexualmente dependiente a alguien sin que esto tenga necesariamente que ver con el amor. Un cabaret sobre el juego de la violencia que se esconde en los roles de género, ¿qué es ser hombre y qué es ser mujer?, ¿por qué es tan fuerte la necesidad de tener una pareja?

Fabiola Ortega / Espacio Vital

Investigación escénica en la que se indaga en las percepciones del otro, acerca del espacio y su cuerpo, y sobre las interacciones que se generan en el día a día dentro del espacio vital que compartimos como sociedad. Además, medita en todos los aspectos que conforman nuestro espacio vital: el sonido, las imágenes, los olores, sabores y estímulos que recibimos por medio de los sentidos, que dentro del espacio compartido se ven constantemente transgredidos o intervenidos por las acciones de los otros.

Molino AEA y Molino Escena / Insomnus

Segundos...noche...y el sueño que se anuncia ausente. Surgen 15 segundos contemplando el pulso, respirando profundo, respirando intensamente, 4, 7, 8, y no llega. El tiempo se escurre y necesito respirar de vez en cuando. De cuando en cuando cerrar los ojos e imaginar que sueño ¿me escuchas? Dueto de aproximadamente 12 minutos donde se resaltan los sonidos de los movimientos de las intérpretes con micrófonos ambientales.

Move on Collective / Tesitura de la carne

Sátira contemporánea sobre una sociedad obsesionada con el triunfo, permeada de violencia y la manera en que se insertan las relaciones amorosas. Muestra una realidad trastocada, de personajes rastreros, hambrientos, muertos o dormidos; las relaciones de poder, la indiferencia y el absurdo del cotidiano que invitan a la reflexión a través del humor.

La obra pone cara a cara nuestra necesidad de pertenencia y el sentido de la individualidad. Cuatro bailarines, un espacio para compartir. Cuatro personajes que negocian su lugar para encajar de alguna manera entre las concesiones y la resistencia, llegado a acuerdos sin tener necesariamente un punto en común. Inmersos por el ambiente musical del Spaghetti Western, se desarrolla un consenso cómico, entre lo patético y el entusiasmo, producto de combinaciones aleatorias e interacciones arquetípicas más que decisiones sensatas. Se ajusta, encuentra su lugar en un dejo de confianza, en la sensación de pertenecer... no siempre con éxito. En una parodia de sí mismos, los intérpretes se dan a la tarea de resolver siendo lo que no son, y conforme a esa naturaleza suponen lo que si son para satisfacer las aspiraciones del grupo.

Es una invitación a internarnos en el Bosque y reencontrarnos con nuestra naturaleza de origen. Un bosque metafórico, centro esencial al que no siempre es posible entrar; un encuentro con el claro que equilibra al espíritu, intento por comprender la existencia; focalizar lo que duele, calmar las dudas, atrevernos a dialogar con las inquietudes. Vivir en paz y caminar, junto a otros, aceptando lo que somos.

El Bosque es una propuesta escénica que proviene del texto de María Zambrano titulado Claros del Bosque. Es el resultado de varios encuentros de colaboración en conjunto con bailarines y diseñadores mediante diversos procesos creativos. Entrar al Bosque con espontaneidad ha exigido recorrer la meditación, los retiros al bosque, la colaboración artística con cada miembro del grupo y con otros grupos de bailarines, introduciendo a las profundidades donde habita la sombrea metafórica.

La invitación es al espectador para despojarse de sus razones estando presentes y vivos ante el arrullo sensible de El Bosque.

Un grupo de actores se reúne en un teatro para ensayar una obra de la que tienen vagamente una idea, un ensayo de una obra pasada. El fracaso es inminente; Todos tienen la disposición y las buenas intenciones, pero nunca termina de suceder nada, todo es confuso y sin saberlo construyen una nueva estructura escénica donde lo establecido ya no es una formula exitosa. Es una obra que apuesta al trabajo físico y actoral, la complejidad está en su simpleza, en los pequeños gestos y en la búsqueda de la naturalidad de ellos. Se busca dar la impresión de que este ensayo está ocurriendo en ese preciso instante en que el espectador lo mira: Borrar la línea entre la realidad y la ficción.

Nuestro espacio íntimo, para Gaston Bachelard nuestra casa, es nuestro propio cuerpo, donde nos mostramos como realmente somos, sin máscaras, sin capas de mierda.

 

Danza en tu casa; podemos cantar, bailar, gritar llorar, reír desnudos andar por nuestras habitaciones hablando solos “esperando hablar con dios un día” Compartir el pan y el vino, abrir las ventanas, dejar que entre y salga todo lo que necesite entra y salir. Bailar en mi casa es un acto de fe irrestricto.

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Espectáculo no convencional que explora de manera diferente las posibilidades físicas de interpretación de emociones profundas. Dos seres (un actor-bailarín y un músico- compositor) conjugan sus energías para diseccionar estados anímicos y exponen su ser ante la mirada cercana de los espectadores. Transitan entre ira o ternura, desesperación o esperanza, anhelos de vida o soplos de muerte; una propuesta donde sentimientos y pasiones se presentan de manera exacerbada y el cuerpo y la voz se utilizan en su máxima posibilidad expresiva.

Un grupo de personas se encuentra en una esquina. De manera espontánea se asocian y comienzan a desplazarse juntos. Todos los integrantes sienten pertenecer a esta comunidad aunque no la han elegido. Simplemente están allí, juntos. Sin dejarse aunque se muerdan.“Jauría” es una acción escénica sobre la agrupación salvaje e intuitiva. Sobre el sentido de pertenencia a un grupo que aunque no funciona como comunidad, es el único hogar que conocemos. Sobre la normalización de un grupo que no funciona como colectividad y que a pesar de ello no se desintegra. Como si de una patología del destino se tratara.

-Vladimir Rodríguez

Por primera vez Itzik Galili visita México. Se trata de uno de coreógrafos más importantes a nivel mundial. Galili se mudó en 1991 a los Países Bajos donde formó su propia Compañía en Ámsterdam. Ha colaborado con las mejores compañías de ballet y ha desarrollado más de 80 trabajos mostrando una diversidad pionera.

Inicia en la danza en 1980 en Sonora. Sus estudios comprenden danza contemporánea, clásica, folclor mexicano, teatro y artes plásticas. Bailó durante dos años con la Montreal Dance Company, de Canadá. Una encuesta realizada dentro del gremio lo consideró uno de los diez mejores bailarines del siglo XX en el libro “México; su apuesta por la cultura”, co-editado por la revista PROCESO y Random House Mondadori México. Con una labor constante e ininterrumpida, se le considera uno de los más importantes coreógrafos de su generación.

Inspirada en la travesía de Dante en La Divina Comedia. Plantea el penar de un hombre que, ante una ruptura amorosa, se rinde a la vida y comete suicidio, quedando así, obligado a descender por los círculos del infierno hasta llegar al reino de Lucifer. Entre recuerdos y remordimientos, tratará de encontrar una oportunidad de redención.

En el marco de Congreso Nacional de Danza Jazz.

Es un suceso escénico que propone al espacio como protagonista siendo lo que detona a la pieza en sí; el fenómeno escénico se plantea a partir del espacio en donde se lleva a cabo. La pieza hace referencia directa a aquellos personajes que, dentro de la literatura, la cinematografía y la misma cultura popular aparecen para transformar, para cambiar el curso de la historia poniéndola en jaque, cuestionándola.

Sátira contemporánea sobre una sociedad obsesionada con el triunfo, permeada de violencia y la manera en que se insertan las relaciones amorosas. Muestra una realidad trastocada, de personajes rastreros, hambrientos, muertos o dormidos; las relaciones de poder, la indiferencia y el absurdo del cotidiano que invitan a la reflexión a través del humor.

Esta obra recibió el 1er. lugar del Premio a la Creación Escénica Contemporánea 2015,
organizado por “Un Teatro” de Jessica Sandoval.

Mostrar la diversidad educativa existente en México en el campo de la danza contemporánea, con la finalidad de enriquecer la profesionalización de este arte permitir la convivencia y el intercambio entre estudiantes de diferentes instituciones. Ha reunido a más de 40 centros de formación de todo el país y del extranjero, con la participación de casi mil jóvenes pertenecientes a diferentes instituciones.

  • Conservatorio de Danza de Yucatán / Alcánzame después

  • Sisti Dance Place / Amalgama

  • Escuela de Danza Contemporánea de Torreón / Gravitornium

  • Estudio 7/8 / De olas que se rompen

  • Centro Dancístico y Coreográfico de Oaxaca / Serpent

  • Ema Pulido Estudio de Danza / Silencio

  • Sisti Dance Place / Coordenadas de mí

  • Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (Facultad Popular de Bellas Artes) / Acumulados

Organiza
Fabienne Lacheré

Sorecer 360° es una intervención de espacios públicos con dispositivos de realidad virtual. La primera parte utiliza un video dancístico donde el espectador puede observar todo el espacio a su alrededor para lo cual tendrá que movilizar su cuerpo como si realmente estuviera presente dentro del lugar donde sucede la danza.

Esta propuesta tiene varias capas de percepción. Por un lado, las personas que tendrán puestos los visores VR vivirán la experiencia virtual inmersiva de primera mano. Por otro lado, la corporalidad generada por la experiencia virtual al observar simultáneamente varias personas accionando en el espacio se convierte para los espectadores externos en una pieza de construcción escénica en tiempo real.

La segunda parte de esta intervención es una pieza escénica presencial que está situada en el mismo lugar de propuesta experiencial para un espectador activo, pero en un soporte real. Sucederá después de crear expectativa con las intervenciones en espacios públicos.

Conceptualmente Sorecer es una hibridación de dos palabras, Sororidad y florecer, la primera es una dimensión ética, política y práctica del feminismo contemporáneo. Es una alianza entre mujeres, donde se propicia la confianza, el reconocimiento recíproco de la autoridad y el apoyo que conduce a la búsqueda de relaciones positivas de hermandad y solidaridad.

Intervenciones de 10 min cada hora.

Montaje basado en vida y obra de 3 escritores que padecieron de diferente soledad tanto en su obra como en su vida: Elena Garro, Milán Kundera y Michael Ende. Está dividida en 4 piezas interdisciplinarias en donde la danza, la música, el teatro y el arte visual se fusionan en hermandad.

Proyecto basado en las ideas del artista inglés Stephen Willats que hizo varios proyectos en multifamiliares de Inglaterra en los 70 y 80 resaltando la función social del arte y la capacidad de la sociedad de remodelar su entorno participando en el de alguna manera. Narrativas no lineales, lúdicas y no por ello menos emocionales. Tomando como punto de partida los multifamiliares que son espacios donde surgen diferentes tipologías que crean diferentes lenguajes y formas de vestir como identificación personal, da pie para hablar de todos los aspectos que conforman a un individuo y como estos espacios hablan de la sociedad. A través de dinámicas corporales, video, gráficos, música, se busca dar al espectador la idea de que el mundo es una experiencia multicanal.

Cuerpos Nocturnos

“Me enteré de que hasta las flores son negras por la noche”
Jean Genet

Travesías de humo

Travesías de Humo es un viaje a ninguna parte, un deseo contenido en un barco de papel que
condensa el anhelo de viajeros que desean huir de una realidad insoportable.
El deseo de una partida es el refugio y esperanza de un alma adolorida.

Pieza museográfica Interactiva creada a partir de la danza y el diseño procedural, que investiga nuestra relación con los espacios efímeros y la capacidad de habitarlos, experimentándolos desde la incertidumbre que estos provocan, alterando la memoria corporal y su forma de almacenar y construir recuerdos. Esto que está a punto de ver es una copia, una mentira que sangra de vez en cuando, al fin y al cabo, uno miente para sobrevivir o eso es lo que algunos dicen, nuestra memoria es altamente inestable. Distorsión de una realidad fabricada. Estatuas móviles. Bienvenidos a las grietas de nuestro sistema.

La coreografía rescata los valores más importantes del ser humano, como la lealtad, el amor, la justicia y la posibilidad de soñar, además de apostar por una visión de esperanza ante las adversidades que enfrenta la sociedad contemporánea. Cada espectador leerá su propia idea de Cervantes, debido a que hay muchas referencias en cada una de las escenas, como la parte de los molinos de viento, la cueva de Montesinos o el encuentro con Dulcinea.

Obra basada en le estética y los principios creativos de surrealistas de alrededor de 1920 (el cadáver exquisito, la asociación libre, la sincronicidad). Además, hace referencia a cuadros específicos de René Magritte y/o Salvador Dalí, o los ambientes creados por de Chirico, por mencionar algunos cuadros inspiradores.

Nuestro espacio íntimo, para Gaston Bachelard nuestra casa, es nuestro propio cuerpo, donde nos mostramos como realmente somos, sin máscaras, sin capas de mierda.

 

Danza en tu casa; podemos cantar, bailar, gritar llorar, reír desnudos andar por nuestras habitaciones hablando solos “esperando hablar con dios un día” Compartir el pan y el vino, abrir las ventanas, dejar que entre y salga todo lo que necesite entra y salir. Bailar en mi casa es un acto de fe irrestricto.

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Es un espectáculo de improvisación con una estructura definida donde los intérpretes trazan la escena utilizando las herramientas que han acumulado a través de su experiencia, detonándolas desde el impulso primario que genera su instinto. Ponen a prueba la elocuencia y fuerza expresiva del movimiento, el gesto y el lenguaje, planteando un cuestionamiento sobre el estado dramático implícito y el proceso de transformación del intérprete como el creador simultáneo que construye la comunicación con los observadores.

Es una obra que nace de reflexionar sobre las relaciones humanas y sus formas de control y dominio en aras de mantener la paz, la concordia y las aspiraciones de una sociedad contemporánea y civilizada.

 

El devenir de la vida se nos va entre despertarnos temprano, estudiar, trabajar, usar transporte público o encerrarse en un automóvil, divertirse de acuerdo a la ocasión y a las formas establecidas, vestir para el momento, ya sea el trabajo, el museo, el parque, el antro o la compañía; y así, en una representación tras otra y agotados, llega la noche, llega para recordarnos que mañana, lo más probable, es que será igual.

 

Tanta tecnología, tantas prótesis sofisticadas, para terminar deprimidos añorando lo que negamos. (S)tereo Corpus entonces, mira desde dentro del quehacer escénico dancístico para abrir la discusión en el seno de nuestros límites y de nuestras propias representaciones.

 

 

 

 

LAURA ROCHA

Coreógrafa y bailarina. Directora artística de la Compañía Barro Rojo Arte Escénico. Desde 1983 es docente de contemporáneo en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del INBA. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2012-2014. Importantes instituciones como el INBA y el Instituto Goethe la reconocieron con becas para reforzar sus estudios en el extranjero.

FRANCISCO ILLESCAS

Bailarín y coreógrafo. Tiene estudios en educación e investigación artística por el INBA. Fue bailarín de Barro Rojo, donde actualmente es coreógrafo. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores. Es miembro del Consejo Académico del INBA. Tiene más de 30 años de trayectoria como docente. Ha colaborado para numerosas universidades e instituciones como maestro, investigador y coreógrafo. Es tutor en el CEPRODAC.

El ser humano esta automatizado para generar situaciones discordantes y esta propuesta nos muestra el camino de 7 individuos hacia la sinceridad del ser, a través del despojo de máscaras sociales marcado por la existencia superflua de un elemento intrínseco en las relaciones humanas “el rojo”. Esta obra muestra fragmentos, momentos, puntos de quiebre que proponen al espectador una perspectiva alternativa, más humana ante una sociedad de mecanismos frívolos.

En el marco del Congreso Nacional de Danza Jazz.

El montaje comienza en un encuentro fortuito de personajes comunes que se hacen presentes para, desde sus visiones, preguntarse sobre la pareja y la diversidad de posibilidades para vivir, o no, las relaciones.

-Vasos comunicantes, los festivales en el norte de Coahuila-Nuevo
León Autor: Hester Martínez

-Dulcísimo Caín: Las Buenas Resignaciones: Poesía
Autor: Arturo Garrido

-“México coreográfico. Danzantes de letras y pies”
Autoras: Margarita Tortajada y Adrana Guzmán

Mostrar la diversidad educativa existente en México en el campo de la danza contemporánea, con la finalidad de enriquecer la profesionalización de este arte permitir la convivencia y el intercambio entre estudiantes de diferentes instituciones. Ha reunido a más de 40 centros de formación de todo el país y del extranjero, con la participación de casi mil jóvenes pertenecientes a diferentes instituciones.

  • Escuela Profesional de Danza de Mazatlán / Punto dolor

  • Universidad Autónoma de Querétaro (Facultad de Bellas Artes) / Insieme

  • Instituto Superior de Artes Escénicas Nandehui / Landscape

  • Centro Morelense de las Artes / Apuntes y anécdotas

  • Escuela de Danza Contemporánea del Centro Cultural Ollin Yoliztli / Despertares

  • Universidad Autónoma de Querétaro (Facultad de Bellas Artes) / Vida Instituto Superior de Artes Escénicas / Secretos

  • Facultad de Danza de la Universidad Veracruzana

Organiza
Fabienne Lacheré

Sorecer 360° es una intervención de espacios públicos con dispositivos de realidad virtual. La primera parte utiliza un video dancístico donde el espectador puede observar todo el espacio a su alrededor para lo cual tendrá que movilizar su cuerpo como si realmente estuviera presente dentro del lugar donde sucede la danza.

Esta propuesta tiene varias capas de percepción. Por un lado, las personas que tendrán puestos los visores VR vivirán la experiencia virtual inmersiva de primera mano. Por otro lado, la corporalidad generada por la experiencia virtual al observar simultáneamente varias personas accionando en el espacio se convierte para los espectadores externos en una pieza de construcción escénica en tiempo real.

La segunda parte de esta intervención es una pieza escénica presencial que está situada en el mismo lugar de propuesta experiencial para un espectador activo, pero en un soporte real. Sucederá después de crear expectativa con las intervenciones en espacios públicos.

Conceptualmente Sorecer es una hibridación de dos palabras, Sororidad y florecer, la primera es una dimensión ética, política y práctica del feminismo contemporáneo. Es una alianza entre mujeres, donde se propicia la confianza, el reconocimiento recíproco de la autoridad y el apoyo que conduce a la búsqueda de relaciones positivas de hermandad y solidaridad.

Intervenciones de 10 min cada hora.

Proyecto escénico interdisciplinario donde, a partir de la utilización de la voz, del cuerpo, del arte sonoro y visual, y 6 instrucciones, Ricardo Rubio desnuda su voz, su sensibilidad y sus demonios personales, para ver qué de todo eso resuena en el espectador y le hace reflexionar sobre su propia condición de Ser Humano.

El montaje comienza en un encuentro fortuito de personajes comunes que se hacen presentes para, desde sus visiones, preguntarse sobre la pareja y la diversidad de posibilidades para vivir, o no, las relaciones

17 instantes, 17 segundos, 17 minutos, 17 horas, 17 días, 17 semanas, 17 meses, 17 bimestres, 17 años, 17 siglos, 17 litros, 17 metros, 17 kilómetros, 17 kilos, 17 gramos....... 17 vidas........ 17…….! La propuesta toma como eje temático el cuento “La mujer rota” de Simone de Beauvoir, cuyo hilo conductor son aquellas mujeres víctimas de las relaciones con sus parejas, pero unas víctimas que no siempre son conscientes de su condición de tales o que se descubren como tales de un modo inesperado. El amor las conduce a una actitud abnegada que desemboca tarde o temprano en la insatisfacción y en el aislamiento.

Cupo limitado a: 17 personas.

El cuerpo es el tema absoluto. Los cuerpos son el tema absoluto. El espacio es el tema absoluto. Los espacios son el tema absoluto. El sonido es el tema absoluto. Los sonidos son el tema absoluto. La fisicidad del sonido es el tema absoluto. El color es el tema absoluto. Los colores son el tema absoluto. El amor de los cuerpos es el tema absoluto. Los carnales son el tema absoluto. Los afectos son el tema absoluto. El placer de los cuerpos es el tema absoluto. La carne es el tema absoluto. El baile es el tema absoluto.

Cada vez que se satisface un deseo, reaparece al siguiente momento con más fuerza. Nuestra relación es de deseos que nunca mueren. Se trata del insaciable impulso que tenemos el uno por el otro y del destino que no imaginamos. De forma obsesiva y casi siempre en la misma dirección, girando sobre el eje de su propia desesperación, una pareja distante en edad vive, -sobre la línea casi invisible que separa y al mismo tiempo une todas las relaciones humanas- el juego de la seducción; por placer, sí, pero también por poder. Un juego donde la sumisión, la obediencia, la agresión, el silencio, lo inestable, la dependencia, cohabitan con el placer, el amor, el apoyo, la confianza, el deseo, la pasión. Una relación que se distingue porque en ésta, el género nunca es factor. Insaciable es el deseo que nunca muere, el eterno retorno del que siempre se satisface y siempre quiere más.

Quizá esta vez… : Quizá esta vez no será como la ola del mar que va y viene… quizá esta vez permaneceré… quizá esta vez mi ánimo esté afirmado… quizá esta vez mi esperanza me sostendrá.

 

Saudade: La insatisfacción por el deseo incumplido y el regreso al lugar que se añoraba. El anhelo de algo tan ambiguo que es indefinible.

 

False Cognate: Unipersonal que parte de las confusiones o malas interpretaciones que el ser humano llega a tener, no en el diálogo con otra u otras personas, sino consigo mismo. Cuando uno llega a creer cosas de sí mismo que son una mentira, una ilusión o un acertijo sin resolver. Está inspirado en la relación que tiene el autor de la obra con la Biblia y la confrontación que sufre a través de ella. Es solo de Diego Vázquez, basado en la partitura del Concierto para piano Op. 21, de Frédéric Chopin, donde el montaje corresponde a una escenografía minimalista, como en los comienzos de la compañía de Gabriel Pascal, quien además participa con la iluminación.

 

 

 

 

Nuestro espacio íntimo, para Gaston Bachelard nuestra casa, es nuestro propio cuerpo, donde nos mostramos como realmente somos, sin máscaras, sin capas de mierda.

 

Danza en tu casa; podemos cantar, bailar, gritar llorar, reír desnudos andar por nuestras habitaciones hablando solos “esperando hablar con dios un día” Compartir el pan y el vino, abrir las ventanas, dejar que entre y salga todo lo que necesite entra y salir. Bailar en mi casa es un acto de fe irrestricto.

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Nisi Dominus nos presenta dos opuestos ligados por un vaso comunicante: la sangre. Este líquido preciado en El reflejo inefable es la fuente de supervivencia del vampiro. La sangre humana es el alimento preservador de la vida y vial de una existencia poderosa y solitaria. Nos confronta con la imposibilidad de mirarnos al espejo. ¿Qué simboliza un reflejo inexistente sino la incapacidad de realizar una introspección, de mirar nuestro interior? La parálisis, la condenación perpetua de ser siempre el mismo, la permanencia en el limbo de la inmutabilidad y la muerte en vida son los problemas existenciales de este ser marginal escondido siempre en la oscuridad a quien la eternidad, sin embargo, le cobra la mitad de su tiempo privándolo de la luz en un enclaustramiento inevitable. Un cazador de almas y recolector de sangre que vive para no ver la luz del día, sino para encontrarse con las tinieblas. ¿Es nuestra oscuridad interna mucho más lóbrega que la externa? Una existencia sin propósito, por último, ¿nos condena a la soledad?

Un espectáculo en 2 actos.

Estudió coreografía en el INBA. Se formó con grandes maestros como Guillermina Bravo, Pilar Urreta, Lidya Romero y Marco Antonio Silva, entre otros. Ha realizado maestrías en investigación de danza, además de gestión y políticas culturales. Ha sido maestro en la Academia de la Danza Mexicana y de grandes proyectos como Aprender Con Danza de CONARTE. En 1987 fundó el Grupo de Experimentación Artística Asaltodiario A.C. Ha colaborado con las mejores agrupaciones de este país, entre ellas El Cuerpo Mutable, Utopía Danza, Barro Rojo y Contradanza. Por su talento ha recibido diversas becas y reconocimientos. Ha realizado 40 coreografías.

Durante 19 años El Congreso Nacional de Jazz, ha permitido el intercambio con artistas nacionales e internacionales, mediante cursos, presentaciones de compañías de danza y jazz, conferencias, talleres, pedagogía, etc., con el propósito de unificar criterios y revalorar este estilo de danza.

  • Factory Dreams / Esquizofrenia y Rojo

  • Luz Mas Martinez / Beta

  • Instituto Superior de artes escénicas ISAE

  • Os Dance Co

En el marco del Congreso Nacional de Jazz.

Se presentarán fragmentos de la pieza El Ritual de la Ponzoña, que es un homenaje escénico a la resistencia cultural, política y humana de hombres y mujeres de México y América latina, a su lucha difícil y siempre festiva, a su resistencia y a su confianza de que es posible construir un mejor mañana. La pieza también explora en las relaciones de poder vistas como un juego no lineal, sino más bien multidireccional, cambiante y dinámico, donde los roles no están fijados.

Sorecer 360° es una intervención de espacios públicos con dispositivos de realidad virtual. La primera parte utiliza un video dancístico donde el espectador puede observar todo el espacio a su alrededor para lo cual tendrá que movilizar su cuerpo como si realmente estuviera presente dentro del lugar donde sucede la danza.

Esta propuesta tiene varias capas de percepción. Por un lado, las personas que tendrán puestos los visores VR vivirán la experiencia virtual inmersiva de primera mano. Por otro lado, la corporalidad generada por la experiencia virtual al observar simultáneamente varias personas accionando en el espacio se convierte para los espectadores externos en una pieza de construcción escénica en tiempo real.

La segunda parte de esta intervención es una pieza escénica presencial que está situada en el mismo lugar de propuesta experiencial para un espectador activo, pero en un soporte real. Sucederá después de crear expectativa con las intervenciones en espacios públicos.

Conceptualmente Sorecer es una hibridación de dos palabras, Sororidad y florecer, la primera es una dimensión ética, política y práctica del feminismo contemporáneo. Es una alianza entre mujeres, donde se propicia la confianza, el reconocimiento recíproco de la autoridad y el apoyo que conduce a la búsqueda de relaciones positivas de hermandad y solidaridad.

Intervenciones de 10 min cada hora.

Mauricio Asencio / Hombre mirando al cielo estrellado

Obra que plantea cómo el individuo se relaciona con los objetos y cómo esa aproximación construye intimidades simbólicas. Es una composición espacial y una relación con los objetos dentro del espacio junto con los individuos que ahí habitan. Es un trabajo coreográfico de movimiento consciente que construye un diálogo. Fue ganadora del primer lugar en el Premio a la Creación Escénica Contemporánea 2016.

Óscar Ruvalcaba / Corte Elipsoidal

Obra de interdisciplina que ensambla diferentes planos de realidad (la obra coreográfica tradicional, el realismo teatral y el performance) para generar una imagen de la polivalencia de la realidad y de la ficción del mundo del teatro. Existen varios universos, pero están en éste.

Mauricio Nava / EX (propuesta #47)

Es un estudio escénico acerca de lo que había pero que ya no hay.

Priscella Uvalle / Luminata Análoga

Entramado performático en el que luz, objetos y sonido protagonizan un no diálogo incidental a través de acciones escénicas secuenciales. La deconstrucción de una escena músico-teatral que no sucede es la situación de tres artistas que transgreden el espacio-tiempo de una realidad cinética compartida.

El Muelle de la Sal está a orillas del Río Guadalquivir, en Sevilla. Su nombre nos remite a los tiempos en que la ciudad soñaba con que miraba al mar. ¿Un muelle no debería ser de madera, un sitio seguro y firme en el cual desembarcar? Sin embargo, este es un “Muelle de Sal”, con sabor a mar y fluido como el río. Es un lugar para no anclar el destino, para rozar con nuestros dedos los sueños que huelen a Triana y respirar la brisa del mar, que nos llevará de nuevo a navegar entre las aguas, las esquinas, las calles y las vivencias que vieron nacer al arte jondo. El Flamenco huele a Sevilla. El Flamenco sabe a sal.

Es una pieza que ahonda en las necesidades imperantes, incoherentes y caprichosas, que el ser humano presenta al enfrentarse a la idea del fin de su conciencia. El público se dispone próximo a las acciones, estas se desarrollan desde situaciones concretas que dan pie a la improvisación y al establecimiento de conflictos que se resuelven colectiva o individualmente a partir de los objetivos que cada uno de los interpretes se ha planteado. La puesta en escena es abordada como un espacio para la destilación física y emocional de los participantes.

Ejercicio escénico que conjuga tres piezas coreográficas de formato corto. Las piezas se conectan a partir del concepto del silencio, desde una postura antropológica, indagando la dualidad, la animalidad, lo místico, lo femenino, a través de la exposición infinita de un cuerpo en una dimensión emotiva y sensorial. Esta propuesta escénica propone una colaboración in situ con un músico/compositor que va generando una instalación sonora presente en toda la experiencia del montaje.

Montaje interdisciplinarito que expresa la cultura, situación y vivir de los puntos que toca la línea fronteriza entre México y Estados Unidos. La Línea es el nombre que recibe en el norte la separación con Estados Unidos, de una longitud estimada de 3,185 kilómetros conformados por desierto, cruce de corrientes de aguas caudalosas, habitadas por la migra, coyotes, cazadores y transeúntes. Para los que crecimos, vivimos y los que llegan a la frontera, es un lugar donde ves pasar el tiempo. En un día de calor, el infierno. Es una necesidad. Una oportunidad para obtener status. El cruce diario de obreros hacia “el fill”. Un punto de referencia y común en todas las ciudades como las de nosotros, es un factor vital en la composición de nuestra sociedad fronteriza.

Cupo limitado a: 17 personas.

Proyecto Coyote / El Ritual de la Ponzoña

Homenaje escénico a la resistencia cultural, política y humana de hombres y mujeres de México y América latina, a su lucha difícil y siempre festiva, a su resistencia y a su confianza de que es posible construir un mejor mañana. La pieza también explora en las relaciones de poder vistas como un juego no lineal, sino más bien multidireccional, cambiante y dinámico, donde los roles no están fijados.

Ingrávita Escénica / Memoryless

La autora de esta pieza se inspira en un hecho desafortunado: la desaparición de un ser querido. En México existen miles de casos de desaparición aún sin resolver. Parece que en ocasiones nos olvidamos de este hecho. Esta pieza invita a reconocer (una vez más) este acontecimiento, esta situación que atenta contra la libertad.

Asaltodiario / …………

Grupo fundado en 1987 con la intención de contribuir a la humanización del espacio urbano, a través de un proyecto artístico cultural que propicie la participación consciente, crítica y creativa de la sociedad civil.

Antares Danza Contemporánea / Desatados

El montaje comienza en un encuentro fortuito de personajes comunes que se hacen presentes para, desde sus visiones, preguntarse sobre la pareja y la diversidad de posibilidades para vivir, o no, las relaciones.

Viernes Roza / Villanas

Es un suceso escénico que propone al espacio como protagonista siendo lo que detona a la pieza en sí; el fenómeno escénico se plantea a partir del espacio en donde se lleva a cabo. La pieza hace referencia directa a aquellos personajes que, dentro de la literatura, la cinematografía y la misma cultura popular aparecen para transformar, para cambiar el curso de la historia poniéndola en jaque, cuestionándola.

Escuela Nacional de Danza Folklórica / La mata del 20: Memoria y resistencia en la danza del ejido 20 de Matamoros

Esta coreografía surgió como respuesta al contexto actual de la ciudad de Matamoros, Tamaulipas. Originalmente, la danza de los matachines era exclusiva para varones y ligada al culto religioso, y se baila en festividades como el 12 de diciembre. Y en esta representación se perfecciona la idea del cuerpo desde lo femenino, pero a manera de resistencia y con cuestiones políticas involucradas. Se hace una adaptación que toma ciertos elementos contemporáneos en esta versión de matachines que, de alguna manera, está creada a partir de las vestimentas tradicionales.

Nuestro espacio íntimo, para Gaston Bachelard nuestra casa, es nuestro propio cuerpo, donde nos mostramos como realmente somos, sin máscaras, sin capas de mierda.

 

Danza en tu casa; podemos cantar, bailar, gritar llorar, reír desnudos andar por nuestras habitaciones hablando solos “esperando hablar con dios un día” Compartir el pan y el vino, abrir las ventanas, dejar que entre y salga todo lo que necesite entra y salir. Bailar en mi casa es un acto de fe irrestricto.

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EVOÉ SOTELO

Nació en Hermosillo, Sonora (1970). Licenciada en Coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y especialista en Políticas Culturales y Gestión Cultural por la UAM, CENART Y OEI. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), emisiones 2004, 2011 y 2015. En 1992 funda Quiatora Monorriel al lado de Benito González. Obtuvo el Premio Nacional de Danza INBA-UAM en su XXIII edición con la obra Sombrero de Cinco Picos. Ha desarrollado una larga investigación coreográfica en relación al movimiento mínimo, el gesto y el tiempo como principales detonadores de la experiencia escénica del cuerpo.


BENITO GONZÁLEZ

Originario de Hermosillo, Sonora, inicia su formación artística en 1988. Es Licenciado en Coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea. Funda y dirige Quiatora Monorriel en 1992 al lado de Evoé Sotelo. Obtuvo el Premio Nacional de Danza INBA-UAM en su XVIII edición, con la obra Día de Azulejos. González cuenta con un repertorio de más de sesenta obras. Además de QM, ha realizado coreografías para Producciones La Lágrima, CEPRODAC, La Máquina de Teatro, Óscar Ruvalcaba y Arte Móvil-Danza Clan, entre otros. Su indagación creativa lo ha llevado a experimentar también en la composición sonora, la fotografía, el video y el diseño gráfico. Ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA en 2010.

Se trata de la máxima competencia dancística de nuestro país. Desde hace 36 años, ha sido la plataforma para las nuevas creaciones contemporáneas. Es un certamen que pone en movimiento las emociones y sentimientos de todos los que gustan de este género. Y este año, la final del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga, XXXVI Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea INBA-UAM estará llena de sorpresas por la diversidad de propuestas que llegaron a la última fase.

Una historia de gatos y ratones…al estilo mexicano. Todo comienza cuando El ratón Filiberto, muy contento, cargando su huacal y su itacate de juegos electrónicos, regresa de unas largas vacaciones. Cuando lo ven llegar, Macaria y Lucrecia se ponen felices. Pero después de un rato, se dan cuenta de que él ha cambiado, ya no le gusta jugar, se la pasa hipnotizado con sus juegos electrónicos. ¡Ese sí que es un problema que hay que resolver!... Pero hay otro problema todavía más grande: un par de gatos latosos que siempre andan rondando por ahí y se la pasan todo el día estudiando sus mejores estrategias para atrapar ratones, aunque hasta el momento ninguna les ha funcionado... ¿Será que los ratones son más listos?

Danza infantil

El montaje narra la historia de un toro que morirá durante la fiesta brava y un niño que se enfrentará a esta realidad. A partir de esta situación se fundamenta el amor materno como base de la formación temprana en el niño; sin embargo, dicho sentimiento no es suficiente para explicar el delicado equilibrio entre lo bueno y lo malo o la vida y la muerte. El sacrificio del animal y la destrucción de los ideales de la infancia del pequeño como requisito para crecer se convierten en el paralelismo trágico que une y hermana a ambos personajes, mismos que pueden hablar entre sí en tanto la inocencia no se extinga. La obra conjuga el empleo de títeres, danza, diseño sonoro y textos, elementos que aunados a una dramaturgia que juega con el tiempo, el espacio y la realidad misma.

Danza infantil

Siempre habrá alguien que caminará a nuestro lado, no sabemos cuándo ni cómo exactamente, pero nos acompañará en algunas etapas de la vida. Tendrá un lugar en ese mosaico de experiencias y caminos que debemos recorrer, y nos mostrará senderos que se bifurcan. Es ahí donde debemos elegir cual ruta nos hará crecer y descubrir nuestro mundo. Sin embargo, debemos en algún momento dejar ir a estos ángeles o seres entrañables, para seguir adelante con la mirada puesta en ese horizonte multicolor, que siempre nos aguarda para ser descubierto.

Composición dramática del coreógrafo Víctor Manuel Ruiz que aborda de manera cruda los excesos, la banalidad y la comercialización del cuerpo. Los pasajes que plantea se centran en la imagen de la belleza, el atractivo físico, las drogas, el alcohol, la violencia de género y la profunda soledad que impera en nuestra sociedad.

Fue una colaboración de Delfos con el escenógrafo mexicano Fernando Feres. Obra ganadora en la convocatoria EPRODAC del Instituto Nacional de Bellas Artes.

Pieza de danza morisca que habla acerca de la condición femenina descrita a través de un oficio que se desarrolla en el aire, sin estar de pie en suelo firme. Está inspirada en las azafatas de Emiratos Árabes Unidos: personajes casi míticos que cruzan los aeropuertos de medio Oriente y Europa. Es un proyecto de perspectiva de género cuya temática gira en torno a todo aquello que se esconde bajo una sonrisa: esa carta abierta que nos roba el corazón de antemano y que frecuentemente oculta un mundo completamente divergente.

Barro Rojo Arte Escénico nació hace 35 años y desde el primer respiro asumió el compromiso ético y estético con el desvelamiento del misterio de la condición humana; asimismo, tomó postura activa frente a los fenómenos sociales. Este año, la agrupación celebrará su permanencia en la escena, desde la solidez artística conseguida con base en tres décadas y un lustro de ejercer la danza. Y lo hará con una obra de estreno: No me voy, solo vuelo…” (a Sabín), de Laura Rocha y Francisco Illescas, en la que se abordará la fuerza de los lazos filiales; así como el reestreno de Travesía, de Rocha, Illescas y Miguel Gamero, coreografía de gran formato, amplia en su enfoque discursivo, cuyo punto de partida es la experiencia de quienes dejan sus lugares de origen y emigran en busca de mejores oportunidades de vida tanto en lo material como espiritual

Función de Clausura y entrega del
Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga 2017.

Montaje interdisciplinarito que expresa la cultura, situación y vivir de los puntos que toca la línea fronteriza entre México y Estados Unidos. La Línea es el nombre que recibe en el norte la separación con Estados Unidos, de una longitud estimada de 3,185 kilómetros conformados por desierto, cruce de corrientes de aguas caudalosas, habitadas por la migra, coyotes, cazadores y transeúntes. Para los que crecimos, vivimos y los que llegan a la frontera, es un lugar donde ves pasar el tiempo. En un día de calor, el infierno. Es una necesidad. Una oportunidad para obtener status. El cruce diario de obreros hacia “el fill”. Un punto de referencia y común en todas las ciudades como las de nosotros, es un factor vital en la composición de nuestra sociedad fronteriza.

Cupo limitado a: 17 personas.

Proyecto Coyote / El Ritual de la Ponzoña

Homenaje escénico a la resistencia cultural, política y humana de hombres y mujeres de México y América latina, a su lucha difícil y siempre festiva, a su resistencia y a su confianza de que es posible construir un mejor mañana. La pieza también explora en las relaciones de poder vistas como un juego no lineal, sino más bien multidireccional, cambiante y dinámico, donde los roles no están fijados.

Ingrávita Escénica / Memoryless

La autora de esta pieza se inspira en un hecho desafortunado: la desaparición de un ser querido. En México existen miles de casos de desaparición aún sin resolver. Parece que en ocasiones nos olvidamos de este hecho. Esta pieza invita a reconocer (una vez más) este acontecimiento, esta situación que atenta contra la libertad.

Asaltodiario / …………

Grupo fundado en 1987 con la intención de contribuir a la humanización del espacio urbano, a través de un proyecto artístico cultural que propicie la participación consciente, crítica y creativa de la sociedad civil.

Antares Danza Contemporánea / Desatados

El montaje comienza en un encuentro fortuito de personajes comunes que se hacen presentes para, desde sus visiones, preguntarse sobre la pareja y la diversidad de posibilidades para vivir, o no, las relaciones.

Viernes Roza / Villanas

Es un suceso escénico que propone al espacio como protagonista siendo lo que detona a la pieza en sí; el fenómeno escénico se plantea a partir del espacio en donde se lleva a cabo. La pieza hace referencia directa a aquellos personajes que, dentro de la literatura, la cinematografía y la misma cultura popular aparecen para transformar, para cambiar el curso de la historia poniéndola en jaque, cuestionándola.

Escuela Nacional de Danza Folklórica / La mata del 20: Memoria y resistencia en la danza del ejido 20 de Matamoros

Esta coreografía surgió como respuesta al contexto actual de la ciudad de Matamoros, Tamaulipas. Originalmente, la danza de los matachines era exclusiva para varones y ligada al culto religioso, y se baila en festividades como el 12 de diciembre. Y en esta representación se perfecciona la idea del cuerpo desde lo femenino, pero a manera de resistencia y con cuestiones políticas involucradas. Se hace una adaptación que toma ciertos elementos contemporáneos en esta versión de matachines que, de alguna manera, está creada a partir de las vestimentas tradicionales.

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EVOÉ SOTELO

Nació en Hermosillo, Sonora (1970). Licenciada en Coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y especialista en Políticas Culturales y Gestión Cultural por la UAM, CENART Y OEI. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), emisiones 2004, 2011 y 2015. En 1992 funda Quiatora Monorriel al lado de Benito González. Obtuvo el Premio Nacional de Danza INBA-UAM en su XXIII edición con la obra Sombrero de Cinco Picos. Ha desarrollado una larga investigación coreográfica en relación al movimiento mínimo, el gesto y el tiempo como principales detonadores de la experiencia escénica del cuerpo.


BENITO GONZÁLEZ

Originario de Hermosillo, Sonora, inicia su formación artística en 1988. Es Licenciado en Coreografía por la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea. Funda y dirige Quiatora Monorriel en 1992 al lado de Evoé Sotelo. Obtuvo el Premio Nacional de Danza INBA-UAM en su XVIII edición, con la obra Día de Azulejos. González cuenta con un repertorio de más de sesenta obras. Además de QM, ha realizado coreografías para Producciones La Lágrima, CEPRODAC, La Máquina de Teatro, Óscar Ruvalcaba y Arte Móvil-Danza Clan, entre otros. Su indagación creativa lo ha llevado a experimentar también en la composición sonora, la fotografía, el video y el diseño gráfico. Ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA en 2010.